Amazonia Açu. Americas Society, Nueva York, 3 de septiembre de 2025–18 de abril de 2026

Imagen 1. Vista de exposición: Amazonia Açu. Americas Society, Nueva York, 3 de septiembre de 2025–18 de abril de 2026. Foto: Lina Mendez.

A lo largo de la historia, la Amazonía se ha representado como un paisaje homogéneo. Verde, continuo y diverso, el imaginario amazónico ha ocultado las múltiples realidades que habitan esta región. Para cuestionarlo y ofrecer una visión más compleja del territorio, la Americas Society, en Nueva York, presenta la exhibición Amazonia Açu, que reúne a treinta y cuatro artistas y colectivos, más de cincuenta obras y un particular comité curatorial integrado por curadores de los nueve países que comparten la Amazonía: María Wills (Colombia), Luis Romero (Venezuela), Mateus Nunes (Brasil), NouN & T2i (Guayana Francesa), Grace Aneiza Ali (Guyana), Diana Iturralde (Ecuador), Elvira Espejo Ayca (Bolivia), Christian Bendayán (Perú) y Miguel Keerveld (Surinam), bajo la asesoría curatorial de Keyna Eleison (Brasil).

El título de la exhibición, al igual que su modelo curatorial, funciona como una declaración explícita de intenciones. “Açu”, término proveniente de las lenguas tupí-guaraní, significa “ampliado” y sugiere aquí una comprensión expandida de la Amazonía: no solo como un vasto territorio geográfico, sino como un espacio plural de historias, saberes y prácticas culturales. Esta noción de amplitud se ve reflejada en la estructura curatorial del proyecto, concebida bajo la idea del prisma. Eleison propone entender la exhibición como un prisma de nueve caras, en el que cada curador representa una visión particular que refracta, refleja y amplía las formas de pensar, ver y sentir la Amazonía. Este modelo prismático busca abrir un diálogo entre materialidades, memorias e historias y reconocer, a través de las tensiones y las similitudes, la diversidad de perspectivas y relaciones territoriales de la región.

A diferencia del prisma, cuyas caras son aparentemente neutrales y transparentes, los curadores no lo son. La curaduría actúa aquí como mediadora de las voces de la Amazonía: hace acto de presencia y permite comprenderla más allá de los estereotipos y de la mirada colonizadora; se centra en la Amazonía de hoy a través de representaciones plásticas y multimedia que narran, responden y cuestionan la actualidad, mostrándola como un espacio activo y en constante transformación.

Imagen 2. Vista de exposición: Amazonia Açu. Americas Society, Nueva York, 3 de septiembre de 2025–18 de abril de 2026. Foto: Lina Mendez.

Al mismo tiempo, la exposición asume de manera consciente las tensiones que surgen al abordar la producción cultural amazónica desde una institución situada en marcos geopolíticos occidentales y en circuitos de diplomacia cultural, reconociendo que esta posición plantea interrogantes sobre la representación, el poder y la historicidad del arte. Estas fricciones no se ocultan, sino que se entienden como parte constitutiva del proyecto, explorando el rol que la diplomacia cultural puede desempeñar en la visibilidad y comprensión de la Amazonía en contextos internacionales. Aimé Iglesias Lukin, curadora en jefe de la Americas Society, ha señalado que la exposición busca fomentar investigaciones y proyectos que amplíen el estudio del territorio amazónico en un contexto contemporáneo. Como extensión de este enfoque, la muestra se acompaña de un ciclo de programas públicos, conversatorios, charlas y actividades comunitarias que buscan expandir el diálogo más allá del espacio expositivo. 

La exhibición inicia con un conjunto de obras cuyas materialidades y simbologías celebran la colectividad (Img. 1). Malohkoh Panel de Danasion Akobe (1971, Suriname) es una talla en madera de líneas entrelazadas que conectan el pasado, el presente y el futuro, llamadas paw a paw den doe o “línea sobre línea con contenido” en lengua saramaka. Akobe los denomina “Malohkoh lining” en honor a su antepasada Ma Lohkoh, cuya historia de esclavización y paso a la libertad marca una genealogía cultural latente en su trabajo. Malohkoh Panel conecta al espectador con la experiencia, memoria y presencia africana en la Amazonía y muestra cómo las prácticas tradicionales y el arte contemporáneo propician ese encuentro.

La obra de Akobe le da paso a Hapoka oni eyekewe prihiriwe, de Javier Puunawe (1981, Venezuela), y a los dibujos de Nelly Sheimi (1970, Venezuela), que trasladan al espacio expositivo iconografías de sus comunidades koshekapuei y mahekototeri dentro del pueblo yanomami. Estas obras introducen materiales conectados a la memoria colectiva como la hapoka para los koshekapuei y motivos como kirithami mamiki (pie de ave) o warora peno mayo (camino del caracol) para los mahekototeri, que reflejan formas presentes en el entorno cotidiano y la relación directa que hay tanto con sus antepasados como con la naturaleza.

En la misma sala, como un rosetón de catedral, emanando color y movimiento, se encuentra Maluana, de la artista Lola Ankarapi (1967, Suriname). Creando un diálogo entre sus raíces indígenas wayana y trio, Ankarapi busca, a través de una de sus maluanas, narrar la historia del pueblo wayana. Este disco evoca los imaginarios de su cultura junto con los espíritus del agua (mulokot) y las orugas bicéfalas (kuluwayak y totokosi) para darle vida a todas las relaciones humanas y no humanas que interactúan en el territorio.

En el centro de la sala, dos esculturas de Thiago Martins de Melo (1981, Brasil) afianzan diálogos que se prolongan a lo largo de la exhibición. Amálgama origin, la figura de anaconda de la que surge una mano y de esta una muiraquitã, trae elementos que en varias culturas tienen un significado importante, como la anaconda (que representa el eterno retorno) o la muiraquitã, amuleto amazónico que protege, da fuerza y buena suerte. Martins de Melo hace evidente cómo la mezcla de símbolos, entes y culturas puede generar algo nuevo. Al presentar estas obras, la curaduría muestra cómo cada práctica puede ser escuchada y valorada, y cómo se reflejan las diversas perspectivas que constituyen la Amazonía.

Imagen 2. Vista de exposición: Amazonia Açu. Americas Society, Nueva York, 3 de septiembre de 2025–18 de abril de 2026. Foto: Lina Mendez.

Si la primera sala formula una colectividad material y simbólica, la siguiente reúne obras que dialogan en torno a las tradiciones orales y su función como actos de resistencia frente a la transformación del territorio (Img. 2). Ñuka shuti man (Mi nombre es) del colectivo TAWNA (2017, Ecuador) presenta un conjunto de fotografías pertenecientes a una instalación multimedia con collage, video y audio. En ella, Sani Montahuano y sus hermanas rinden homenaje a su madre, Carmelina Ushigua, una mujer sapara obligada a dejar su hogar para vivir en la ciudad. A través de la obra reconstruyen su memoria, identidad y relatos, reflexionando sobre lo que significa ser una mujer sapara que vive entre la selva y la ciudad sin olvidar quién es.

Pasando por obras como Effigy (supai) de Estelea Dagua (1951, Ecuador) y Allpamama de Nancy Santi (1973, Ecuador), que exhiben la tradición ancestral awana (tejer arcilla) de las mujeres kichwa para representar la conexión entre el arte, la espiritualidad y la defensa territorial de las Mujeres Amazónicas Defensoras de la Selva, se llega al poema audiovisual Ivopei-algarrobo, de Elías Caurey Caurey (1977, Bolivia). Caurey recurre a la poesía en lengua guaraní como herramienta de resistencia para proteger su cultura. El pilar de su mensaje es el algarrobo, árbol sagrado que simboliza el refugio y diálogo comunitario; a través de él, Caurey nos recuerda que el cuidado mutuo entre los seres vivos y la naturaleza es fundamental para la vida.

En la obra Amazonía II, de Santiago Yahuarcani (1960, Perú), se evidencia la intrínseca relación entre la naturaleza y las comunidades y cómo los procesos extractivos han acabado con el territorio. La obra de Yahuarcani, un testimonio visual del genocidio del caucho, utiliza el lienzo ancestral de llanchama para denunciar las atrocidades sufridas por el pueblo uitoto. Yahuarcani humaniza el paisaje para visibilizar que la explotación de la selva es inseparable del sufrimiento indígena, simbolizando la resina del árbol como la sangre de una madre, mientras rescata la memoria de su linaje y el poder de los seres espirituales que le dan fuerza vital a la selva. Los dibujos de Hélio Melo (1926–2001, Brasil) documentan cómo la explotación de la Amazonía y la violencia han transformado la vida de las comunidades y los ecosistemas de la región. Sus obras combinan escenas lúdicas con representaciones de la violencia rural y una denuncia política de la deforestación en Acre, Brasil, donde trabajó durante años como seringueiro. Melo reveló la dualidad de la vida en la selva: la relación con los saberes naturales e indígenas y las violencias del abandono estatal y la destrucción ambiental.

Sin alejarse de estas reflexiones sobre la resistencia y el deterioro de la Amazonía, las obras de la última sala centran su narrativa en la memoria ancestral y en cómo la construcción de su identidad les ha dado a las comunidades herramientas para activar el territorio y contrarrestar críticamente la intromisión de valores occidentales (Img. 3). En Cuatro caminos, Angélica Alomoto (1978, Ecuador) transforma la imagen de la savia del caucho, históricamente asociada a la violencia colonial, en un símbolo espiritual que evoca el bosque vivo. Los árboles del lienzo emergen como presencias sagradas acompañados por dibujos ancestrales omagua que representan su espíritu. Una mokawa (vasija de cerámica) frente a la imagen refuerza la conexión entre lo ritual, la memoria y el territorio.

En armonía con lo circundante, la memoria y el territorio están presentes en los dibujos El árbol de la vida y la abundancia, de Abel Rodríguez (Mogaje Guihu, 1941–2025, Colombia), y Calendario de su hijo Aycoobo (Wilson Rodríguez, 1967, Colombia). Además de conectar padre e hijo a través de sus obras en el mismo espacio, se hace visible aquí el interés de ambos artistas por mantener viva la tradición del detalle, la sensibilidad, el conocimiento ancestral de su territorio y la naturaleza que los rodea. Abel Rodríguez lo hizo desde la minuciosidad, identificando cada animal, flor y fruto, mientras que Aycoobo articula el tiempo a través de la chagra, el jardín vivo de la comunidad nonuya. Los colores vivos y la delicadeza de las formas muestran cómo más allá de la vida, la muerte y el tiempo están las tradiciones siempre latentes.

Haciendo honor a la memoria y construyendo a partir de ella, T2i (1991, Guayana Francesa) junto con NouN (1987, Francia) crean Manman Dilo, un cortometraje que explora una figura mítica, mitad mujer mitad pez, símbolo espiritual femenino de la Guayana Francesa. El corto conecta las oralidades ancestrales afrodescendientes con la identidad criolla, lo femenino y los iconos religiosos, presentando a Manman Dilo como fuerza sanadora y protectora de las aguas. Así, se reafirma el papel central de la mujer afro en un sistema de creencias históricamente dominado por referentes blancos y patriarcales. De las mitologías acuáticas, el recorrido sigue hacia otras geografías amazónicas que entienden el territorio como un espacio continuo y compartido. Las fotografías de la serie The Lost World, Mount Roraima, de Darrell A. Carpenay (1984, Guyana), registran una expedición al Monte Roraima guiada por miembros de la comunidad akawaio de la aldea de Kako, un lugar donde convergen las fronteras de Brasil, Venezuela y Guyana. El artista no da mayor contexto de dónde se tomaron las fotografías, presentando la Amazonía como un territorio interconectado y vivido, más allá de sus divisiones geopolíticas.

El recorrido de la exhibición es, en definitiva, un encuentro entre ríos que se bifurcan y se juntan, llanuras húmedas, cerrados, tierra firme, pantanos y manglares. Más que una muestra exclusivamente visual, invita al público a vivir una experiencia sensorial en la que todo el cuerpo puede experimentar lo que significa ser, vivir, narrar y sentir en la Amazonía. En un contexto geopolítico en el que la diversidad se cuestiona, la exhibición adquiere un valor aún más significativo, invitando a la reflexión sobre la pluralidad y la complejidad de la región en el presente.

Bibliografía

Amazonia Açu. Exhibition catalogue. Edited by Susan L. Segal. New York: Americas Society, 2025.
AS/COA. 2025. “Amazonia Açu.” AS/COA Exhibitions. Americas Society/Council of the Americas. Consultado el 10 de febrero de 2026. https://www.as-coa.org/exhibitions/amazonia-acu
Pérez-Almeida, Liseth. 2025. “El diario destaca la exhibición Amazonia Açu de Americas Society.” AS/COA Exhibitions, August 27, 2025. https://www.as-coa.org/articles/el-diario-destaca-la-exhibicion-amazonia-acu-de-americas-society

1. Colección Patricia Phelps de Cisneros, Estados Unidos ↩︎